Magritte and Contemporary Art: The Treachery of Images
Los Angeles County Museum of Art. LACMA (LACMA), Los Ángeles
Del 19 de noviembre de 2006 al 4 de marzo de 2007
www.lacma.org
En su mayoría son piezas en las que las ideas e imágenes se yuxtaponen y juntas dotan de un significado especial a la obra. En este sentido, la que ocupa el centro de la exposición es precisamente una de las más comentadas y reproducidas de Magritte: The Treachery of Images (This is not a Pipe), de 1929, convertida ya en un icono del arte y que forma parte de la colección del LACMA
La muestra se desarrolla en un espacio concebido especialmente para ella y diseñado por John Baldessari. Este pionero del conceptualismo ha transformado las salas desde el suelo (por el que seremos capaces de caminar sobre nubes) hasta el techo (saturado de carreteras entrelazadas) para introducirnos en una atmósfera onírica que cautiva al público con sus simulaciones y personajes, siguiendo esa idea de ilusionismo tantas veces plasmada por Magritte en sus pinturas.
Asia–Pacific Triennial of Contemporary Art
Del 2 de diciembre de 2006 al 27 de mayo de 2007
Queensland Art Gallery de Brisbane
http://www.qag.qld.gov.au
En total son 37 creadores y dos los colectivos que aportan, a través de pinturas, esculturas, ilustraciones, fotografías, vídeos, performances y trabajos textiles, una panorámica de las preocupaciones y experimentaciones que se producen en aquella lejana zona del mundo con la intención de estimular su proyección internacional. Australia, China, Corea, Japón, India, Indonesia, Islas Samoas, Malasia, Nueva Zelanda, Pakistán, Tailandia y Vietnam, quedan representados en la APT5.
La Trienal en esta edición, otorga énfasis a la performance, como prolífica extensión de la cultura visual contemporánea, presentando hasta finales de mayo diversos eventos de música, poesía y danza.
{salto de pagina}
Tiempos de vídeo. 1965-2005
Museum of Contemporary Art de Sydney
Del 14 de diciembre de 2006 al 25 de febrero de 2007
www.mca.com.au
Decir que en los últimos años la tecnología audiovisual se ha introducido de lleno en el ámbito del arte no es ninguna novedad, es un hecho. Tanto, que ya no es difícil encontrar de manera sistemática exposiciones en las que las proyecciones y los vídeos en bucle son los protagonistas. Lo que también es innegable es que, con el paso del tiempo, el medio ha sufrido una gran evolución que ha hecho elevar su potencial y su calidad técnica hasta cotas que hasta hace poco sólo estaban al alcance del cine. Este perfeccionamiento y la enorme diversidad de propuestas han favorecido el que la videocreación forme parte ya de algunas de las mejores colecciones de arte contemporáneo del mundo.
En este sentido, resulta muy interesante y atractiva la idea de poder ver reunidas en una sola exposición algunas de las obras más importantes que han contribuido histórica y artísticamente al desarrollo de este nuevo medio de expresión. Eso es precisamente lo que nos ofrece esta exposicion, (que ya pudo visitarse en el CaixaForum de Barcelona), entre cuyas piezas se encuentran algunas de las más pioneras tentativas de Nam June Paik, el primer artista en introducir una obra televisiva en el espacio de un museo, allá por 1963.
No siempre es fácil para el público percibir y calcular el valor de este tipo de obras de arte, ni siquiera llegar a entender por qué han de considerarse como tales. En este sentido, la muestra puede ofrecer algunas claves que permiten conocer sus inicios, el camino por el que ha transcurrido la videocreación en las últimas cuatro décadas y su valor como soporte para el arte.
Super Vision
Institute Contemporary Arts (ICA) de Boston
Del 10 de diciembre de 2006 al 29 de abril de 2007
www.icaboston.org
Pinturas, videos, fotografías y esculturas se convierten en los soportes que sirven para cuestionar los límites establecidos del mundo visible y los cambios en la percepción de la realidad. Los creadores seleccionados han sido agrupados en función del tipo de preocupación que han desarrollado en sus exploraciones plásticas. De esta forma, Chantal Akerman, Harun Farocki, Mona Hatoum y Tony Oursler, dan cuenta de propuestas que ofrecen un replanteamiento de la mirada humana a partir de su tergiversación. Anish Kapoor, Tony Cragg, Ugo Rondinone, Gabriel Orozco y James Turrell, entre otros, centran su trabajo en las posibilidades que aportan los efectos ópticos en nuestra manera de percibir las obras y el espacio circundante. Y Jeff Koons, Julie Mehretu y Thomas Ruff presentan miradas que confunden al espectador, al hacerle dudar de la veracidad de lo que ve, ya que plantean un sentido de la visión trastocado por los efectos de la biología o la física desde la expansión de las prestaciones que se obtienen de la manipulación tecnológica.
Es pues que «Super Vision» propone variadas y relevantes manipulaciones de la percepción del arte reciente, en las que se modifican los significados y las formas de entendimiento con los que se puede afrontar el arte del siglo XXI.
{salto de pagina}
M.C. Escher. El horror vacui
Centro Arte Canal. Madrid
Hasta el 4 de marzo
Escher es un raro, digno de ser conocido. Trabajó siempre en la gráfica, y nunca se adscribió a ningún movimiento artístico. Su gran característica fue siempre el valor que dio a la percepción de las figuras y los vacíos entre ellas, que dibujan otras figuras. Toda la superficie es significativa. En estas cuestiones, y en otras, Escher tiene mucho de artesano medieval: una parte de su iconografía (reptiles, enanos, aves, demonios) parece escapada de gárgolas y capiteles románicos. Pero su obra también bebe de la tradición de los trampantojos, las anamorfosis y de las “perspectivas depravadas”, y se intuye que pudo sentir interés por el método “paranoico-crítico” de Dalí.
Hermano de un experto geólogo, tenía una gran pasión por las matemáticas y la cristalografía, y planificaba con gran cuidado la geometría en sus composiciones. Algunas de sus imágenes tienen una considerable profundidad; otras no son más que “curiosas”, e incluso se acercan a la parodia de sí mismas.
Palazuelo: Proceso de trabajo
Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA)
Hasta el 18 de febrero
www.macba.es
La pintura de Palazuelo es poesía, no sólo porque el artista ha acabado por depurar un lenguaje abstracto de una extremada sensibilidad, sino porque en él hay una intención (como él ha expresado en muchas ocasiones y con todas las matizaciones pertinentes) de hacer visible lo invisible.